As artistas reunidas neste texto pertencem a três gerações e têm em comum a recusa de se fixar num único meio. Lola Fernández passou da abstração à colagem, ao relevo e ao têxtil antes de voltar à pintura. Victoria Cabezas levou a fotografia para o território do conceito e da crítica. Priscilla Monge, formada como pintora, construiu sua obra com bordados, objetos, néon e vídeo. Lucía Madriz e Mariela Richmond trabalham com sementes, grãos e terra.
Várias dessas artistas também mantêm laços com o Brasil. Priscilla Monge participou da Bienal de São Paulo de 1998, e Lucía Madriz expôs no Sesc Belenzinho, em São Paulo, em 2018.
Lola Fernández
Lola Fernández é uma das artistas mais importantes da história da arte costarricense e foi a única mulher do Grupo Ocho, coletivo que renovou a pintura do país nos anos 1960. Dolores Fernández Caballero nasceu em Cartagena, na Colômbia, num sábado, 15 de novembro de 1926, e chegou à Costa Rica ainda criança, nos anos 1930. Começou a estudar na Escola de Artes Plásticas da Universidade de Costa Rica em 1941. Em 1954, foi para a Academia de Belas Artes de Florença, onde ficou três anos e produziu obras abstratas numa Itália ainda resistente à abstração. As viagens ao Japão e à Índia também marcaram sua obra. Do Japão, ela diz ter guardado a síntese, a simplicidade e a delicadeza dessa cultura. Fez sua primeira exposição individual no Museu Nacional, em San José, em 1958, e a partir de 1962 integrou o Grupo Ocho. O coletivo foi fundado em 1961 e abalou as bases da arte costarricense, então dominada pela Geração Nacionalista. Obras como Takarazuka (1962), Divertimento: Adán y Eva (1965) e Regreso del antepasado (1967), hoje no Museu de Arte das Américas da OEA, em Washington, são desse período. A partir de meados dos anos 1960, Fernández experimentou colagem, estêncil, relevo, transferência química de imagens e arte têxtil. Quando expôs relevos, um jornal chegou a anunciar que “Lola morreu como pintora”. Ela respondeu com a obra: no fim dos anos 1970 voltou à pintura e, no início dos anos 1980, retomou a figuração na série Testimonio, de tom político raro na cena costarricense da época. Como professora da Universidade de Costa Rica, formou gerações de artistas. Recebeu o Prêmio Nacional de Cultura Magón em 1995 e duas vezes o Prêmio Aquileo J. Echeverría, e a Assembleia Legislativa a declarou cidadã de honra. Mora há décadas numa casa em Barrio Amón, e em 2025 continuava criando. Em 15 de novembro de 2026, completa cem anos.
Victoria Cabezas
Victoria Cabezas é uma das pioneiras da fotografia experimental na América Latina e uma das principais referências na formação de fotógrafos na Costa Rica. Nasceu nos Estados Unidos em 1950 e cresceu e se formou na Costa Rica, onde desenvolveu toda a carreira. Estudou no Pratt Institute, em Nova York, e fez mestrado em Belas Artes na Florida State University, onde apresentou em 1973 a Banana Thesis. Sua obra experimenta com a linguagem fotográfica e explora a religiosidade popular costarricense, usando muitas vezes a estética kitsch e a imagem da banana para falar da tropicalidade e da história de exploração econômica da região. Na série Mujeres, gatos y televisores (1983), ela investigou o ritmo da televisão no dia a dia das mulheres, e no início da carreira dirigiu o olhar para o corpo masculino, numa inversão da tradição de representação. Também foi uma figura central na academia. Lecionou design e fotografia na Escola de Artes Plásticas da Universidade de Costa Rica e foi decana da Faculdade de Belas Artes entre 1991 e 1995. Seu reconhecimento internacional cresceu nos últimos anos, com a participação na exposição Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 e, em 2019, com Victoria Cabezas and Priscilla Monge: Give Me What You Ask For, na Americas Society, em Nova York. Em 2024, a retrospectiva Tránsito: medio siglo de la experimentación, montada na Galería Nacional, recebeu o Prêmio Nacional Francisco Amighetti de Artes Visuais.
Priscilla Monge
Priscilla Monge é uma das artistas mulheres mais conhecidas da América Central, e sua obra revela os sistemas de opressão, exclusão e controle que atravessam a vida cotidiana. Nascida em 1968, vive e trabalha em San José. Formou-se em pintura na Universidade de Costa Rica e passou um período na Bélgica antes de voltar ao país. Desde os anos 1990, trabalha com tecidos e bordados, objetos encontrados ou modificados, néon, desenho, vídeo, fotografia e texto. Muito antes de o feminicídio ter definição legal, sua obra já tratava de estupro conjugal, abuso sexual, maus-tratos e feminicídio, além da naturalização da menstruação. Em Sentencias de muerte (1994), ela aborda a violência da sociedade centro-americana contemporânea. A Pelota de fútbol, uma bola de futebol feita com absorventes higiênicos, coloca o tabu da menstruação dentro do símbolo máximo da masculinidade esportiva. Sua circulação internacional é ampla. Participou da Bienal de Havana em 1997, da Bienal de São Paulo em 1998 e da Bienal de Veneza em 2001, na seção oficial, e em 2013, representando a Costa Rica. Em 2025, o Centro Galego de Arte Contemporánea (CGAC), em Santiago de Compostela, apresentou a retrospectiva Cuestiones de vida o muerte, com instalações inéditas como Pensum e Cuarto de aislamiento, criadas para a mostra.
Lucía Madriz, sementes contra o colapso ambiental
Lucía Madriz é a artista costarricense que mais se dedicou à relação entre arte, alimento e meio ambiente. Suas instalações com grãos e sementes tratam de transgênicos, soberania alimentar e do papel humano no Antropoceno. Nasceu em San José em 1973. Formou-se em Belas Artes na Universidade de Costa Rica em 2000 e estudou entre 2003 e 2004 na Hochschule für Gestaltung de Karlsruhe, na Alemanha, com uma bolsa para artistas estrangeiros. Em 2007, apresentou na TEOR/éTica a exposição Extra-Version, que reuniu obras de 1999 a 2007 sobre alimentos geneticamente modificados e globalização. A partir daí, construiu uma carreira internacional. Expôs no Museum of Arts and Design (MAD), em Nova York (2010), no Palais de Tokyo, em Paris (2018), e no Sesc Belenzinho, em São Paulo (2018), e participou da 55ª Bienal de Veneza (2013) e da 8ª Bienal do Mercosul (2011), em Porto Alegre. Entre seus projetos estão Lima’s Treasure (2014), feito na Ilha do Coco, e After Eden (2021), apresentado em Manágua. Sua obra está no livro Latin American Artists from 1785 to Now, publicado em 2023, e em 2024 ela recebeu o Prêmio Nacional de Artes Plásticas Francisco Amighetti. Em 2026, fez uma residência no Framer Framed Noord, em Amsterdã, onde montou uma instalação com grãos e sementes.
Mariela Richmond, a arte que cultiva sementes e solo
Mariela Richmond é uma artista e arte-educadora de uma geração mais jovem que trabalha na fronteira entre arte, ciência e agricultura, com projetos que tratam a semente, a terra e o cuidado como matéria artística. Nasceu em San José em 1986 e se formou em artes, com ênfase em design gráfico e ensino de artes visuais, pela Universidade de Costa Rica. Desde cedo, trabalha a arte como processo coletivo: coordenou o grupo de representação artística La efe e desenvolveu o projeto La Oficina Ruidosa, um estudo documental apresentado na Bienal FEMSA de 2020, no México. O eixo atual de sua obra é a Escuelita de la Tierra, projeto educativo baseado na agricultura orgânica. Nele, antes de pensar em colheita, ela e seus colaboradores buscaram produzir solo fértil, a chamada terra negra. Em fevereiro de 2025, depois de quase um mês em residência no satis.FACTORY, em Barrio Escalante, Richmond apresentou Tierra maestra. O coração da exposição era uma geladeira com dezenas de frascos de sementes mantidas na temperatura ideal para prolongar sua vida, cercada de raízes, cipós e ervas medicinais estendidas pela sala. Para a artista, o trabalho é aprender quando colocar as sementes para dormir e quando e como despertá-las. No mesmo ano, uma obra com o mesmo título, Tierra maestra (2025), integrou Somos mares, ríos, flores, minerales, volcanes, montañas y compost, coletiva de artistas feministas centro-americanas que ocupou todas as salas do MADC. Richmond também faz parte da equipe do satis.FACTORY, onde responde pela área de arte e educação.
Zulay Soto, mais de cinco décadas de experimentação
Zulay Soto Méndez é uma das artistas mais versáteis da arte costarricense, com uma obra que atravessa aquarela, colagem, gravura, escultura, mural e pintura matérica. Começou a carreira nos anos 1960, quando, segundo ela mesma, a arte do país era contada quase só por nomes masculinos, e Margarita Bertheau e Lola Fernández eram as únicas mulheres levadas em conta. Entre suas primeiras obras está a escultura em gesso El Poeta (1967). Um episódio de juventude marcou sua produção. Em 1963, quando vivia com os pais em Cartago, ela e a família viram objetos estranhos atravessarem o céu, e desde então os óvnis se tornaram um tema frequente na sua obra. Nas décadas seguintes, aprofundou a colagem e a pintura matérica, linguagens que fizeram dela uma referência. Zulay Soto também atuou como gestora cultural, promotora do patrimônio e professora. Em 2025, o Museo Histórico Cultural Juan Santamaría, em Alajuela, apresentou Órbitas, com 14 obras e material de arquivo que percorre mais de cinco décadas de trajetória e suas raízes na cidade. Um trabalho de dois anos de estudantes de História da Arte da Universidade de Costa Rica recuperou, organizou e digitalizou o arquivo pessoal da artista, registrando 581 obras e 492 documentos. A pesquisa deu origem ao documentário Zulay Soto, mujer de rompe y rasga e à exposição Conservación preventiva: archivo de Zulay Soto de 1960 a 1970, na Biblioteca Nacional. Sobre o trabalho, a artista disse que as estudantes a fizeram compreender que sua vida não foi em vão.
Elizabeth Thompson, memória e identidade em colagens de papel e renda
Elizabeth Thompson é pintora e gravadora, com uma obra que explora a memória e a identidade por meio de objetos cotidianos, colagens e ensambles carregados de poesia visual. Nasceu em San José em 1949. Formou-se em pintura na Escola de Artes Plásticas da Universidade de Costa Rica e fez mestrado em educação na Buffalo State University, em Nova York. A docência ocupa um lugar central na sua trajetória. Ela foi professora de pintura, serigrafia, têxteis e papel artesanal na Escola de Artes Plásticas da Universidade de Costa Rica e formou várias gerações de artistas. Essas técnicas se encontram na sua obra. Em Encaje y papel, exposição de 2007 com 15 colagens na Sede de Occidente da Universidade de Costa Rica, ela usou tecidos, rendas, imagens de revistas e papel reciclado feito à mão para retratar situações e sentimentos femininos, num tema que remonta à sua infância. Sua circulação internacional inclui a IV Bienal Internacional de Arte e Design Têxtil, em San José, em 2006, e uma residência na Banana Factory, em Bethlehem, nos Estados Unidos. Em 2025, foi homenageada ao lado de Lola Fernández e Zulay Soto na exposição Lola, Zulay, Elizabeth – Ensambles y Collages, no Centro Cultural Costarricense Norteamericano, em San Pedro. A mostra reuniu 18 obras de grande e médio formato, entre trípticos e peças emolduradas, e chamou as artistas apenas pelo primeiro nome, num gesto de autonomia diante da tradição patriarcal do sobrenome.
